“Una producción infamemente peligrosa filmada al estilo guerrilla (¡un ejemplo temprano de un largo hecho con video HD!) en las feroces calles colombianas. El debut en español de Barbet Schroeder, crudo y visceral, observa la guerra del narco a través de una sorprendente historia de amor imposible.” Así reseña la plataforma, la producción francesa.  La película se estrenó en el país el 24 de noviembre de 2000 bajó una lluvia de críticas que estaban por formar un huracán, un buen ejemplo de ello lo hizo el escritor y periodista colombiano Germán Santamaría, director de la Revista Diners, que pidió "sabotear y ojalá prohibir" la exhibición de la producción, que calificó de "siniestra y truculenta" contra Medellín y "contra todo lo colombiano".

Aunque, la cinta en Venecia recibió una ovación y la Medalla de Oro de la Presidencia del Senado en ese Festival, la prensa no propiamente fue un comité de aplausos, es más la reseña de Irene Bignardi decía: “Es tan paradójico y excesivo lo que cuenta Schroeder, tan evidente y deliberadamente objetiva la evaluación moral, tan distante el estilo de la narración, que el espectador termina por reír”. 

Los programas de radio matinales, la televisión colombiana en sus transmisiones de opinión fueron duramente críticos con el largometraje, en su momento se entendió como censura y un peligroso discurso de los medios de comunicación que evidenciaban su manera conservadora. 

Aunque, las opiniones fueron descaradamente moralistas, también logró que ese tipo de debates le dieran más publicidad a la producción visual y además evidenciará la fuerza del cine que hoy parece intrascendente.  ‘La Virgen de los Sicarios’ es junto al ‘Desbarrancadero’ las mejores novelas de Fernando Vallejo como es habitual en sus relatos, es él el protagonista, sus libros son escritos en primera persona y no hay más voces en su mayoría de historias. 

Vallejo hizo el guion, lo que le obligó a darle voz a los dos sicarios que lo acompañan, su novela habla de amor, lo polémico es que el protagonista es un hombre mayor y los amantes son adolescentes, la diferencia de edad, el amor gay, la violencia, el lenguaje explicito fueron los elementos perfectos para que muchos pusieran el grito en el cielo. 

Es una maravilla la actuación de Germán Jaramillo que interpreta a Fernando Vallejo, también hay que resaltar a los actores naturales: Anderson Ballesteros y Juan David Restrepo. 

El libro como el filme abordan con maestría el drama, la actualidad del país, el romance y el humor, eso sí, los efectos no son los mejores, pero es una gran producción que desde hoy podemos ver gracias a la plataforma de Mubi. 

Posiblemente ‘Kimitachi wa Do Ikiru ka’ podría ser la última cinta del aclamado director de animación japonés Hayao Miyazaki, la cual se estrenará el 14 de julio de 2023.

El director nipón Hayao Miyazaki es reconocido en la industria del anime por dirigir clásicos como ‘Mi vecino Totoro’ (1988), ‘El viaje de Chihiro’ (2001), ‘El increíble castillo vagabundo’ (2004) y otras del Studio Ghibli. <iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/YgO6g_gHtaE" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe>

“’Hayao Miyazaki’, sin duda, dará brillo a la industria del anime japonés en 2023 con el estreno de su última película, su probable despedida definitiva. Un brillo que nos recuerda que se apaga una generación que ya va quedando atrás”, explica a EFE Álvaro López Martín, autor del blog Generación Ghibli —referente en español sobre el estudio— y de libros como ‘Mi vecino Miyazaki’ (2014).

El póster de la cinta, muestra una criatura fantástica similar a un ave, elementos conocidos en el cine del afamado director, bajo la tendencia de mezclar la fantasía con el mundo real.

No se han compartido más detalles al respecto, sin embargo, se sabe que ‘How Do You Live’ está basada en el libro homónimo de 1937 del escritor Genzaburo Yoshino. Esta obra cuenta la historia de un chico de 15 años que se embarca en un viaje de autodescubrimiento que le ayudará a conocer el significado de la vida. El protagonista será asistido por las memorias y consejos de su tío a través de un diario.

La producción empezó en 2016 y tenía planeado estrenarse a la par de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020, no obstante, sufrió retrasos debido a la pandemia de COVID-19. Toshio Suzuki, productor general del proyecto, contó que Miyazaki planea dedicar la producción a su nieto para que este lo recuerde una vez muera.

Esta será la primera película de Miyazaki en diez años, desde el estreno de Kaze Tachinu (The Wind Rises) en 2013.

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Sin duda, una selección de 10 largometrajes es algo muy limitado para compartir y resumir un año de cine, más cuando las plataformas han hecho que los estrenos sumen en número, así que muchas se nos quedan sin nombrar y como es habitual en nuestro conteo dejamos por fuera las obras que protagonizaron los premios Óscar porque en varias ocasiones reflejan lo mejor del año anterior, además, de la visibilidad que ya obtuvieron. Por esa razón resaltamos un par de joyas: ‘Flee’ y ‘C’mon C’mon’. 

Otros títulos dignos de recomendar que estuvieron cerca de quedar en la gran elección son: ‘Dog’, ‘Petit Maman’, ‘Hasta los huesos’, ‘X’, ‘El hombre del norte’, ‘El menú’ y otras que seguramente por descuido o por gusto no hacen parte de esta muestra que cuenta con 13 largometrajes. Así que aquí les presentamos  nuestra selección con una breve referencia de la cinta. 

10. ‘El Buen Patrón’ dirigida por Fernando León de Aranoa

Un poema de la infamia, la mirada desde otra perspectiva que nos dio en ‘Los lunes al sol’ (2002) con el mismo protagonista Javier Bardem que evidencia su maestría en su labor, en aquel entonces era un desempleado con dignidad y ahora es un infame patrón. 

10. ‘Top Gun’ dirigida por Joseph Kosinski, Tony Scott

La grandeza de Tom Cruise, uno de esos dinosaurios que hace cine para dinosaurios y que paradójicamente no ha dejado de cosechar éxitos, en esta ocasión podemos decir que hizo el estreno más importante del año con una cinta que estuvo a la altura de su magnitud. 

9. ‘Madres Paralelas’ dirigida por Pedro Almodóvar 

Lo de siempre con el director español, su destreza en la que conjuga una buena historia con una bella estética, tiene un elemento novedoso, la memoria, esa construcción tan necesaria para nunca olvidar. 

9. ‘Crimes of the Future’ dirigida por David Cronenberg

Con el reparto parece que no hay mucho más que agregar: Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart, pero detrás de cámaras está uno de los grandes genios del séptimo arte de los últimos 40 años, David Cronenberg nos trae una truculenta historia de ciencia ficción con una sensualidad original y sombría. 

8. ‘Elvis’ dirigida por Baz Luhrmann

Excitante, brillante y dinámica. Ante la banda sonora y la rapidez de la narración es fácil olvidar el reloj y disfrutar de unos de los talentos más importantes de la música de todos los tiempos. 

7. ‘Red’ dirigida por Domee Shi

Una obra hermosa, sensible que describe con brillantez la adolescencia femenina, aborda con ingenio el tema de la menstruación. Debería ser obligatoria, sobre todo para los padres. 

6. ‘The Batman’ dirigida por Matt Reeves 

Bien librado salió Robert Pattinson en la encarnación del superhéroe. Realista, oscura, una buena cinta que le devolvió la dignidad al señor Díaz luego de ese mal experimento con Ben Affleck. 

6. ‘Un héroe’ dirigido por Asghar Farhadi

Te confronta, te derrumba los estereotipos y nos ayuda a entender qué pasa por el pensamiento del pueblo de Irán. A Farhadi siempre gracias por su labor y compromiso.

5. ‘Los Reyes del Mundo’ dirigido por Laura Mora

Somos unos espías, pero no juzgamos, entendemos, nos emocionamos, descubrimos, Laura Mora nos muestra en su trabajo la mirada de los adolescentes en una demoledora película de carretera.

4. ‘Argentina, 1985’ dirigida por Santiago Mitre

Nunca más.

3. ‘Todo en todas partes al mismo tiempo’ dirigida por: Dan Kwan, Daniel Scheinert 

Maravillosa, la gran sorpresa del año, una cinta de ciencia ficción que juega con el ingenio del multiverso y la filosófica, un sello de Marvel, pero aquí sí nos sorprendemos, una absoluta maravilla. 

2. ‘La peor persona del mundo’ dirigida por Joachim Trier

Estupendo trabajo que cuenta la historia de Julie, la peor persona del mundo que es simplemente un estado de ánimo, además de una expresión, no un ataque, ni un juicio de valor. Romántica, realista y con unos toques de fantasía que la ponen en lo más alto de este año que vimos en las salas de cine, un deleite audiovisual. 

1.‘Licorice Pizza’ dirigida por Paul Thomas Anderson

Con una pareja de desconocidos el director retrata los años 70 con sensibilidad, una cinta de amor y de adolescencia, una bella postal hecha cine. 

La actriz ha trabajado incansablemente por mejorar y sacar a delante el cine colombiano, una labor que desarrolla desde la dirección del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias. Es por eso y teniendo en cuenta su labor y el gran reconocimiento actoral con el que cuenta, que la junta directiva de la Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas decidió elegir a Natalia Reyes como su presidenta para el periodo 2023-2025.

La intérprete de 35 años será la sucesora del actor Juan Ángel, que estuvo en la posición durante el período 2021-2022. Natalia Reyes será la persona más joven en estar en ese cargo en los 13 años de la creación de la Academia Colombiana.

Ante el nombramiento la actriz  dijo “Me siento muy honrada por la elección de mis compañeros y por la confianza que han depositado en mí. Asumo el compromiso con este sector que me apasiona y que tiene muchos logros por conquistar”.

Entre sus principales retos según la Academia están "el fortalecimiento de los Premios Macondo, el fomento de la paridad y la inclusión en la industria, el impulso de la formación en el sector audiovisual y la atracción de nuevos miembros en todas las especialidades y más espectadores en las salas colombianas". Reyes es una de las más importantes actrices colombianas, egresada de The Lee Strasberg Theatre and Film Institute de Nueva York. Entre las producciones nacionales en las que ha participado figuran 'Lady, la vendedora de rosas' y 'El Comandante'. En cine es recordada por su actuación en 'Pájaros de verano' y 'Terminator: Dark Fate'.

Otras películas o programas en las que ha estado son: ‘Pickpockets: maestros del robo’, ‘En la ruta del narco’, ‘Sumergible’, ‘Tomorrow before After’, entre otros roles.

Hace años Piedad Bonnett en un conversatorio en el que hablaba de literatura romántica confesaba que le costaba demasiado que sus personajes comieran o tuvieran sexo, es decir compartir y describir esos específicos momentos, después de esas palabras cada vez que leo una novela descubro que las mejores descripciones son las que no son especificas en las acciones. 

Así que el morbo de ver a un grupo selecto de comensales no me causaba interés, excepto por una de ellas, Anya Taylor-Joy  y por el jefe de la cocina, el sorprendente Ralph Fiennes. Les confieso que fue mucho más de lo que esperaba, porque un banquete de ricos, la verdad la expectativa no es tan grande, pero realmente ‘El menú’ es una producción exquisita, muy original y sin duda es una experiencia que trasciende como el sabor de las mejores hamburguesas, perdón por la comida rápida ante tanto glamour.

Creo que ya lo dije todo, aunque quede la sensación que es poco, la cinta es en esencia sencilla, un grupo de ricos va a una cena inolvidable, no sobra decir que es algo exclusivo en una isla desconectada. 

Los clientes son variados, deportistas ricos en una mesa, una periodista que es una certera crítica de comida con su acompañante, unos viejos millonarios sin ninguna cualidad especial, un actor reconocido de cine con su pareja y un amante del trabajo de Julian Slowik (Ralph Finnes) Tyler (Nicholas Hoult), un joven que recibió una cancelación de último momento de su novia y se vio obligado a contratar a una compañera, Margot Mills (Anya Taylor-joy) la única diferente del grupo, algo así como un mosco en leche, fue por accidente y no siente admiración por el chef, no hace parte de la clase alta, ni busca reconocimiento en las redes sociales, está por la plata. 

La presentación de los personajes se hace a lo largo de la historia, los giros de guion son admirables y no crean que estamos ante una cinta pasiva en el comedor, hay algunas escenas en la isla que refrescan, en general es una propuesta que coquetea con la acción, en la que se impone la comedia que es brillante y en un tono menor podríamos decir que cumple con algunos elementos de terror. 

Los actores son brillantes, sorprendentes, los ya mencionados nos despiertan amor, odio y una incertidumbre por descubrir quiénes son en realidad, el resto del reparto no se queda atrás son unos desgraciados encantadores y esto es de lo más fantástico porque reducen a su mínima expresión a esos supuestos ganadores en la vida que son admirados por millones, pero por dentro están llenos de inseguridades y claro que causa placer cuando se burlan de la clase esnob.

‘El menú’ en esencia es un gran largometraje seguramente no ganará grandes premios, no obstante si cumple con ese bello arte de entretener mientras hace una mirada crítica y mordaz a la sociedad en general, por sus escenas violentas no es tan recomendada para niños, sin embargo seguro que a todos les encantará esta propuesta dirigida por Mark Mylod.  

Nunca es tarde, me disculpo por escribir sobre esta producción audiovisual hasta ahora, cinco semanas después de su estreno, espero que cuando usted lea estas palabras todavía esté en la cartelera de cine de Bogotá.

Antes de hablar del argumento quiero compartir los reconocimientos obtenidos:

- Premio Mejor Largometraje de Ficción, Sección Screenings, Bogotá Audiovisual Market - BAM, Colombia, 2019.

- Ganador de la Beca de Música Original para Largometraje, IDARTES, Bogotá, Colombia, 2018.

De la historia no hay mucho que decir, no quiero dañar la experiencia, eso sí, debemos mencionar que fue ambientada con hechos históricos, los años 80 en el Centro de Bogotá con una atmosfera en la que la situación política del país está presente.

Son dos personajes principales, Salvador, un sastre reservado con cara triste que habla poco, su relación más cercana es con su prima y el hijo de ella, también con su mascota Laica a quien cuida y consiente. En el edificio donde está su oficina llega una nueva ascensorista, Isabel, que despierta su interés, una mujer muy distinta, alegre, cordial, siempre en búsqueda de una buena charla.

Esta bella historia de amor le hace un homenaje a las salas de cine, a ese plan ideal para el idilio de esos años, a los boleros, a la salsa, pero también a otros lugares como los cafés, bares y parques, aquí no caben los centros comerciales, esa Bogotá de nuestros padres, abuelos y en mi caso de mi niñez.

Pero, y este ‘pero’ debería ir en mayúsculas, estamos lejos de una comedia romántica o de un relato de amor tradicional, aquí lo fundamental y lo más valorado de la producción es que puede evidenciar el actuar humano con todo lo que pueda implicar, lo bello que somos y a la vez lo horribles, cobardes, rencorosos, soñadores y demás expresiones que se evidencian a lo largo de la trama.

A ratos da la sensación que no pasa nada y de repente pasa de todo y ya no hay nada que hacer, perdón si esto parece ambiguo, poco claro, pero no es fácil describir las sensaciones que se despiertan tras ver a ‘Salvador’.

Los actores son brillantes y de gran recorrido: Héctor García ‘Pecas’ (El Colombian Dream (2006); Satanás (2007); Yo soy otro (2008) y Fabiana Medina (La sargento Matacho (2015); La toma de la embajada (2000); El caso Colmenares (2020).

Lo mejor es la música, el gran Andrés Correa puso su talento y sus canciones, las cuales fueron transformadas y no pierden su esencia.

César Heredia su director, dijo esto sobre su ópera prima "Salvador se origina de mis recuerdos de infancia. De mis días de vacaciones en la sastrería de mi abuelo y donde mi madre trabajaba con él cosiéndole a oficinistas de la zona. El taller quedaba en el centro de Bogotá, a pocas cuadras de la Plaza de Bolívar, del Palacio de Justicia. Mi memoria se permea de los olores, el bullicio del centro, la música y las voces radiales, los carros, los perifoneos, la cotidianidad de la época que encubría la violencia latente del país. El primer recuerdo que tengo de un hecho violento es la Toma y retoma del Palacio de Justicia en 1985. Sus imágenes retransmitidas por televisión nunca se me van a olvidar. El caos, el miedo, la posibilidad de que mi madre pudiera ser víctima de la situación por estar a tres cuadras del edificio, por vivir incluso a menos de diez calles de la zona; el riesgo de convertirse en víctima de un conflicto aparentemente ajeno, de una bala perdida, o de un Estado frenético y solapado".

Fabian Moreno, director del documental, habló en ‘Amantes del Círculo Polar’ sobre el objetivo del proyecto y su proceso de grabación, donde no únicamnete los soldados víctimas del conflicto armado fueron los protagonistas, sino también quienes dictaron el rumbo de este audiovisual. 

‘Con los pies en la tierra’, muestra la realidad de los soldados del Ejército Nacional que fueron víctimas de las minas antipersonales quienes perdieron sus extremidades o parte de ellas, un drama que no solo afecta a la víctima, sino a la familia. Con el trágico suceso, la historia apenas empieza. Estos hombres sumidos por momentos en la tristeza, no se rindieron y decidieron hacer de su condición una oportunidad de aprendizaje, resiliencia y superación, pues la misión que antes se hacía en la “maraña”, ahora se hace en la cancha de fútbol y en los colegios.  

La experiencia, le ha permitido a Fabian conocer de cerca la situación de las regiones y sobre todo de este tipo de acontecimientos que marcan la vida. “Ellos representan a más de siete mil miembros de la fuerza pública que han perdido las piernas por las minas antipersonales y de alguna manera, también a más de cinco mil civiles que por efecto de esas minas perdieron sus miembros, muchos han muerto. Entonces a raíz de esto que les sucedió, a algunos, empezaron su proceso de recuperación. Uno de ellos se metió a jugar fútbol, pero no quería realizarlo con los bastones, para él era importante hacerlo con las prótesis e iniciaron a trabajar en eso, que es una cosa muy difícil”. 

El rodaje se realizó durante un mes en Bogotá y en la base militar de Tolemaida, con los soldados víctimas y sus familias. Se divide en tres bloques, el primero es un ejercicio de memoria que revive los terribles instantes que ocasionaron que la vida se desmoronara, tras la explosión de la mina. El segundo exalta su labor como hombres inspiradores con su trabajo en los colegios de la ciudad, en donde su mensaje de fortaleza le llega a jóvenes y adolescentes. El tercero fue una iniciativa del director que se empeñaba en no terminar el documental con tristeza, por eso busco por todos los medios, que los ‘Hombres de Honor’, fueran invitados a un partido en el estadio ‘El Campin’, para vivir la experiencia de la mano de jugadores profesionales, en este caso de Independiente Santa Fe. 

‘Con los pies en la tierra’, despierta la sensibilidad y entrega un mensaje de esperanza, resiliencia y fuerza interior que inspira a muchos jóvenes y que pretende seguir encendiendo corazones con un “sí se puede”.  La banda sonora del documental fue realizada por el grupo tolimense ‘Yooko’, quien se sumó al proyecto, para aportar su sonido fuerte y enérgico en honor a la búsqueda del sentido del ser, el amor y la vida.   

Durante ocho años la directora y antropóloga Liliana Sayuri Matsuyama Hoyos sigue la transición de la infancia a la adolescencia de María, una pequeña del pueblo indígena Amorúa en Puerto Carreño, nieta de nómadas que viajaron varios siglos por las llanuras del Vichada. Resultado de este trabajo surge ‘María Salvaje’, un documental donde la niña se convierte en la excusa para develar la relación de este pueblo indígena con su entorno, con el mundo de los “racionales”, como ellos denominan a los blancos, así mismo habla de cómo la sociedad los ha llevado a situaciones de necesidad y pobreza.  

Liliana habló en ‘Amantes del Círculo Polar’, sobre la historia de esta película que desarrolló durante 15 años y que se estrena el 15 de diciembre en la Cinemateca de Bogotá. 

Liliana llegó a Puerto Carreño en el año 2007 a trabajar como antropóloga y se da cuenta de la triste realidad que viven a diario los miembros del pueblo indígena Amorúa, muchos de sus niños mueren de desnutrición. En su recorrido pudo determinar que esta problemática está atravesada por la falta de comunicación y empatía. 

Durante el desarrollo de su trabajo, la directora conoce a María y a Matilde, su abuela. La niña fue criada, en sus primeros años, en un hogar sustituto asignado por el estado, tras la muerte por desnutrición de su hermana gemela. Matilde logró su retorno a casa para criarla, pero sin perder el contacto con los “racionales”, como son llamados los “blancos”. A pesar del deseo de su abuela, María no aprendió a leer, ni a escribir, camina descalza por las calles del pueblo y se fuga del rancho de su abuela. Liliana les propone hacer un recorrido a su territorio ancestral hacia los ríos Tomo, Vichada y Orinoco, y allí empieza el viaje.

“Pensé en incluir más niños Amorúa en el documental, pero María define lo que podría denominarse, la esperanza”, dice Liliana acerca de sus intenciones al comenzar el trabajo de grabación.  

Tiempo después, la directora se marcha de la zona y viaja a España, pero con la firme intención de regresar. Cuando lo hace, se reencuentra con una María adolescente que le parece definitivamente más cercana a esos ríos, a las rocas y a las sábanas que, al pueblo. Con su rebeldía intacta, pero enfrentándose de manera desbordada a una sociedad en la que no es posible encontrar su lugar. 

Este documental es un retrato incómodo de una realidad de la que poco se habla, lanza preguntas apremiantes sobre el futuro de María y tantos otros jóvenes indígenas exiliados de su tierra y su cultura, en un universo de miseria, narcotráfico y prostitución que no brinda un espacio de integración, cuidado o respeto. Liliana comenta que vio situaciones en las que las jóvenes Amorúas eran tratadas con mucho desprecio y quisiera que por un momento la gente se pusiera en los zapatos del otro. “Es como ser capaces de pararse en el lugar del otro, aún cuando es muy diferente, yo quisiera que se pensara en eso y concretamente en el caso de los Amorúas y otros pueblos, que ojalá tuviéramos una sociedad donde les pudiéramos ofrecer lo mejor de nosotros”.

‘María Salvaje’, ha recibido importantes reconocimientos como el premio ‘Documenta Caracas’ 2019, fue parte del ‘Taller Documental’ del FICCI Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias en el 2016 y recibió la Beca de Antropología Visual ‘Nina S. de Friedemann’ 2012 del Instituto Colombiano de Antropología e Historia ICANH, entre otros. En el equipo trabajo hay más de veinte personas, donde se destaca la presencia femenina.

Estreno, 15 de diciembre a las 7:00 p.m., en la Sala Capital de la Cinemateca de Bogotá. 

Vuelve y juega, uno de los mejores directores, Luca Guadagnino regresa a la carga, esta vez no está en Europa, sin embargo, muestra muy bien la esencia del lugar. Ustedes me entenderán, sus cintas; ‘Call Me By Your Name’ (2017) y el remake de ‘Suspiria’ (2018), lo reflejan. En esta oportunidad cambia de continente para hacer ‘Bones and All’.

De antemano quiero advertirles que no soy amante del género del terror, pero ante este director y los dos protagonistas, él muy conocido, ella no tanto, Ruseell fue la ganadora en el Festival de Venecia como Mejor Actriz, razón suficiente para verla. Con mucha cobardía entre solo al cine (lo cuento con orgullo), les advierto que no es una película tradicional de terror, no es para cerrar los ojos, gritar y luego reír. Así que, si esa es su intención perderá el dinero. 

En la propuesta de Guadagnino prima el amor, el gore y terror, perdón por el pleonasmo, pero hay sangre, mucha sangre. ¿De qué va la historia? Pues, cuenta el primer amor entre Maren, una joven que está aprendiendo a sobrevivir al margen de la sociedad, y Lee, un vagabundo con ideas muy intensas que vive marginado. 

Los hechos se desarrollan en los años 80, viven en la oscuridad, no pueden parar, las carreteras son su destino, para huir y para encontrar su razón de ser, es decir es un film de carretera. 

Ese viaje de doble vía es clave porque a lo largo del relato descubrimos quienes son ellos y de dónde vienen, pero en profundidad, ya que sabemos que son caníbales, así como ya tenemos el imaginario de los vampiros, aquí no estamos ante unos asesinos seriales, sino una especie que necesita comer carne humana para sobrevivir, no hay maldad, o si la hay se entiende que es un caso de supervivencia, de amor, de necesidad y de adicción. 

Dos seres perdidos que encuentran su complemento en un mundo extraño que no los acepta, una metáfora que se cuenta sola en la etapa de la adolescencia, lo poderoso del largometraje es el realismo, no existe una estructura de fantasía, hay rechazo y aceptación, la música es fuerte y la atmosfera a ratos lenta le da más énfasis en dramatismo a esta potente propuesta.  

No deja de ser paradójico, pero de sus trabajos ya mencionados: ‘Llámame por tu nombre’ y ‘Supiria’ en ‘Hasta los huesos’ encontramos esa unión, el primer amor adolescente y el terror de Dario Argento. 

En la Cinemateca de Bogotá durante el mes de diciembre se van a programar grandes producciones de la década de los 80 en las que brillaron nombres de directores como: James Cameron, Ridley Scott, Steven Spielberg, David Cronenberg, entre otros. Del 20 al 23 de este mes estos serán los largometrajes que podremos disfrutar: 

‘Aliens, el regreso’ de James Cameron

‘Blade Runner’ de Ridley Scott

‘Brazil’ de Terry Gilliam

‘E.T. el extraterrestre’ de Steven Spilberg

‘La mosca’ de David Cronenberg

‘Robocop’ de Paul Verhoeven

‘The Terminator’ de James Cameron 

‘The Thing’ de John Carpenter

‘Tron’ de Steven Lisberger

‘Volver al futuro’ de Robert Zemeckis

Para conocer los horarios y precios de las entradas por favor consultar la web de la Cinemateca.