Criado en un ambiente musical, Jorge Arturo "Pito" Perea encontró su pasión desde temprana edad, influenciado por su padre, quien le dio su primera guitarra de pasta azul como recompensa por regresar de La Loma. Su afinidad por la música también se vio impulsada por su madre, ella se destacó por ser una hábil bongosera en su juventud.

El maestro estuvo en ‘Música y Músicos de Colombia’ contando sobre su vida musical y su nueva propuesta discográfica llamada ‘Sabor de Bojayá Pacífica’.

A lo largo de su vida, “Pito” ha vivido en diferentes partes de Colombia, desde Barranquilla hasta Bogotá. En la capital, su amor por la música comenzó a convertirse en su profesión mientras trabajaba en diversos empleos. Empezó a recorrer bares y discotecas, acompañando a orquestas y tocando instrumentos de percusión, como bongós, campana y maracas.

"La Barroca", una guitarra de una sola cuerda construida con amigos de la infancia, se convirtió en uno de sus primeros instrumentos musicales. Perea se hizo conocido por su pasión y habilidades percusivas en lugares como Monka-Monka y La Casa Folclórica de Aristarco Perea.

Su carrera musical despegó cuando Alexis Lozano, músico chocoano, lo invitó a grabar las maracas en uno de los primeros discos de Guayacán. A lo largo de 40 años, ha acompañado a diversas agrupaciones, consolidando su experiencia musical y explorando géneros como la comedia musical.

En 2018, mientras paseaba por Bogotá, el maestro encontró una taberna llamada Timbalaye, inspiración para crear una canción en clave de son cubano, tipo Ponceña: “Quedó chévere. Mi sorpresa fue cuando empezaron a llamarme de Barranquilla muchas emisoras, también de Bogotá. Y es ahí donde estaba emocionado. Yo en la cama lloraba”.

Esto marcó el inicio de su carrera como compositor, dando lugar a 10 de las 12 canciones de su trabajo actual. Con el apoyo de Sammy Cuesta en la producción musical y destacados músicos invitados como Johnny Rivero y Luisito Quintero.

En el programa 'Amantes del Círculo Polar', hablamos con el líder del proyecto, Santiago Mejía, sobre esta producción que le tomó más de tres años de trabajo. Mejía es la voz principal, toca la guitarra y las secuencias; además, es compositor, productor y multiinstrumentista. Cuenta con estudios superiores en Composición y Producción Contemporánea, así como en Producción Musical e Ingeniería de Sonido en Berklee College of Music en Boston, Estados Unidos.

El resto del grupo está compuesto por Raúl Villafuerte (batería), Simón Rosas (bajos, violín), Mar Reyes (voces, percusión menor), Charry Fukuyama (coros, guitarra, sintetizadores) y los músicos invitados Lucas Vaghetti (trompeta), Fabricio Reyes (violín) y John Díaz (viola).

La banda, formada desde 2017, se caracteriza por una continua exploración artística en la que busca acoger el cambio constante. Su nombre invita a abrazar la fluidez de la vida y la curiosidad musical.

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Acerca de las canciones, el artista dijo: 'Hablan sobre sentirse roto, de los conflictos internos, de la búsqueda de estar bien, de pasar por procesos y de sanar'.

Con 'Niebla', Humano en Tránsito reivindica los álbumes de larga duración, compartiendo temas escritos desde un lugar confesional, con letras que trazan un camino hacia el cuidado del corazón. Esta creación artística se presenta como un álbum conceptual, invitando a los oyentes a un recorrido musical lleno de emociones relacionadas con los procesos íntimos por los que pasan todas las personas.

Las colaboraciones están a cargo de Urdaneta en 'Todo lo que ruge', Charry Fukuyama en 'Recuerdo' y Mar Reyes en 'Niebla', que le da el título al álbum. La placa representa una culminación, pero también un comienzo. En 'Niebla' encontramos el presente y la capacidad de habitar un solo sitio, porque ya entendimos la necesidad de esto para estar plenos", concluye Mejía.

El álbum sucesor de ‘Vida Tan Bonita’ llega en medio de la exitosa gira ‘Adentro - Tour Américas 2023’. Son once canciones que son el registro de las diversas etapas que conlleva una despedida.

Francisca Valenzuela describe el álbum como un refugio y un espacio para enfrentar lo que estaba viviendo, resolverlo, y entenderse mejor. "Las canciones de este disco fueron un refugio, fueron un espacio para poder enfrentar lo que estaba viviendo, resolverlo, conectar, entenderme mejor", comenta Francisca, quien considera que el arte siempre es una oportunidad para crear conexión y entender.

Luego de presentar los sencillos ‘¿Dónde se llora cuando se llora?’ y ‘Nada Para Tí’, junto a la mexicana Ximena Sariñana, Francisca Valenzuela revela de forma íntegra un disco que recoge los sentimientos que provoca el quiebre de una relación: La confusión de la vida sin un otro, su agobiante anhelo, el placer en otras personas, las amigas y sus consejos, soltar, romperse y volverse a armar.

‘Adentro’ expande la ya aplaudida honestidad que la destacada cantautora, poeta, música y activista deposita en sus creaciones, ahora desde un sentimiento mucho más personal y vulnerable, donde son las propias experiencias las que van tejiendo un mapa de dolores y sanaciones. El sucesor de ‘Vida tan Bonita’ abraza la intimidad, el autodescubrimiento, la fragilidad y el amor propio con toda la madurez y experiencia que ha construido la chilena en su carrera.

El sencillo es producido por Francisco Victoria y la misma Valenzuela, con coros de Juliana Gattas, Daniela Spalla y Fer Casillas, y publicado bajo la discográfica propia de la artista, Frantastic Records, ‘Adentro’ es un refugio, un breakup álbum, un diario de vida hecho música que deja en evidencia la capacidad reflexiva y lírica de la artista.

Acerca de Francisca Valenzuela

Francisca Valenzuela es una destacada cantautora, poeta, intérprete y activista chilena. Su impresionante carrera se destaca por numerosos logros, incluyendo su papel como entrenadora en The Voice Chile, donde comparte su perspectiva única y amplia experiencia en la industria musical para apoyar y amplificar a cantantes emergentes. Valenzuela se ha establecido como uno de los nombres más prominentes de América Latina, con su reciente álbum ‘Vida Tan Bonita’ recibiendo aclamación de la crítica y obteniendo un lugar en la lista de ‘Mejores Álbumes de 2022’ de Rolling Stone. Ha colaborado con artistas reconocidos como U2, Miguel Bosé, Pablo Alborán, Mon Laferte, Natalia Lafourcade y Pedro Aznar. 

Serán tres tortazos cargados de puro metal, rock y música popular que se llevarán a cabo los días 3, 9 y 16 de septiembre. Estos eventos se suman a los espectáculos musicales, gratis y al aire libre, programados por parte del Instituto Distrital de las Artes – Idartes, que en días pasados realizó el concierto tributo a las leyendas del rock, en donde los amantes del rock clásico disfrutaron de bandas colombianas como The Doogs, Bonner y The Void.

La celebración continuará  el próximo domingo 3 de septiembre a partir de las 10 a.m. con el concierto popular, que contará con las presentaciones de: Las Hermanitas Calle, Los 50 de Joselito, Ricardo Torres y su Mariachi, Adriana Bottina, Juan Vélez, Rosebel y Los Paisanos.

Y para los amantes del Metal, el próximo sábado 9 de septiembre a partir de las 2:00 p.m. llega al Teatro al Aire Libre La Media Torta de Bogotá, el concierto, Metal & Torta: 85 Años de Pura Potencia Musical, con agrupaciones referentes del género de Bogotá y Medellín como: Masacre, Vitam et Mortem, Ingrand, Cuentos de los Hermanos Grind y Sobibor.

Para finalizar el sábado 16 de septiembre a partir de las 2:00 p.m., se vivirá el concierto 85 Rolas y Contando: La Media Torta celebra su aniversario rockero, con las rolas y música de artistas y agrupaciones invitadas: Briela Ojeda, Duplat, Nicolás y los fumadores, Buha 2030 y Lalo Cortés.

Será una combinación de sonidos que podrán disfrutar los ciudadanos para celebrar juntos el aniversario de la Media Torta, un escenario muy importante en la memoria de los bogotanos.

La Media Torta:

Fue ideado en 1936 por Jorge Eliécer Gaitán, como un lugar para el entretenimiento de los primeros campesinos y migrantes que poblaron la capital del país. La antigua hacienda La Media Torta ha visto desfilar por su espacio a grandes artistas de la música culta y popular.

El Teatro al Aire Libre La Media fue obsequiado por parte del Consejo Británico en Colombia al Municipio de Bogotá e inaugurado el 13 de agosto de 1938, dentro de la celebración del IV Centenario de fundación de la capital del país. 

El teatro estaba constituido como un teatro clásico griego, con una gradería semicircular rodeando la orquesta, la gradería tenía acabado en pasto y  una capacidad aproximada para 3.500 personas.  A partir de su inauguración el Teatro al Aire Libre se convirtió en un importante escenario para la ciudad; se había pensado como un espacio para todas las clases sociales y de esta manera el teatro ofertaba todo tipo de espectáculos: teatro, danza, música, transmisiones radiales, encuentros políticos, entre otros. 

Además de Rock al Parque, La Media Torta vio nacer a todos los festivales al parque de Bogotá y en sus 85 años ha permitido la presentación de artistas como Armando Manzanero, Sandro, Celia Cruz, Mercedes Sosa, Leonardo González, Nelson Ned, Raphael y Leonardo Favio, por mencionar algunos. Allí también se dio la histórica presentación del Chavo del 8 en 1978.

Asimismo, por este espacio cultural han pasado artistas como: Armando Manzanero, Celia Cruz, Julio Iglesias, Aterciopelados, Toto la Momposina, Sistema Solar, Kilcrops, Caligaris, entre otros, y hoy es un trampolín para las nuevos y futuros talentos.

A parte de ser el escenario de miles de espectáculos, también es la plataforma para aquellos artistas que han decidido emprender su camino profesional, siendo un lugar de práctica y formación donde pueden tener la experiencia de contar con un equipo técnico humano y un rider técnico profesional para perfeccionar sus pasos.

Un día antes de comenzar su gira por Chile y Argentina, Santiago Torrents (baterista) visitó los estudios de LAUD 90.4 FM ESTÉREO para hablarnos de su segundo trabajo discográfico. 

Tras haber publicado cuatro sencillos en 2022 y 2023, la banda hace un recorrido sonoro y conceptual por diferentes aristas, que, desde la observación, refleja una nueva apuesta lírica de la agrupación.

‘La Ilusión de la Razón’, es un disco fuerte y claro, como es habitual, además de elegante por la pureza de su sonido. Los 10 cortes componen un viaje en el que se atienden diferentes tópicos, que desde la perspectiva de la agrupación, merecen ser decodificados, revisados y, si se quiere, denunciados: el sometimiento a la manipulación mediática, la adicción a los fármacos, el vacío que se esconde tras las falsas promesas, el adoctrinamiento religioso a través de la culpa, entre otros.

La placa se da a conocer con la canción que le da título al disco, ‘La Ilusión de la Razón (Holograma)’. Desde la simpleza y contundencia, este tema centra su mirada, como cierre del ejercicio conceptual, en la autocrítica: “Lancé los nueve dardos fingiendo que mi condena no es igual”, reza la letra.

En palabras de Santiago: “Líricamente, este sencillo pretende poner en evidencia la responsabilidad que nos pertenece. Si bien en las otras nueve canciones centramos la atención en situaciones exteriores, poniendo el dedo en la herida cuando no resonamos, también es importante señalarnos y recriminarnos por lo que nos corresponde”.

Tanto el tema como el álbum completo, fueron grabados en los estudios bogotanos Árbol Naranja y Gody´s Rusty Cage, proceso dirigido por el productor Godi Gaviria, quien además mezcló el trabajo y participó de forma activa en diferentes procesos creativos del proyecto. Halley Jaimes estuvo encargado de la masterización.

De manera paralela al mensaje que se expone en la canción, el videoclip busca recrear, desde lo visual, esa simulación a la que la humanidad está sometida y que impide establecer una conexión interna. Las pantallas, protagonistas en esta oportunidad, hacen referencia a como todo es una proyección, un reflejo y a los hologramas que difuminan la realidad y ponen velos a la percepción.

Esta es la primera vez que Boca de Serpiente incluye pantallas como elementos activos en uno de sus videoclips.

El Festival Jazz al Parque celebra su edición 2023 a través de encuentros, conciertos y actividades artísticas. En el escenario estarán artistas como Jojo Mayer que llega desde Suiza con su cuarteto de electrónica en vivo Nerves, para presentar explosivos ritmos de drum 'n' bass. Como cuota nacional estará Puerto Candelaria de Medellín, ganadora de Latin Grammy 2019, que brindará al público capitalino una gran exploración sonora que transita también por el teatro, la danza, el cine y el humor.

Asimismo, en esta tendrá la participación de voces femeninas de  cuatro continentes, entre las que está Rita Payés, trombonista y cantante catalana de 22 años. Representando a Bogotá estará Brina Quoya, artista, compositora, bajista, arreglista y productora colombiana, quien presentará su estilo propio caracterizado por un sonido de vanguardia que combina trip hop, neo soul y R&B progresivo.

Dentro de las voces destacadas de Jazz al Parque 2023 está también el reconocido dúo español Martirio y Chano Domínguez con su propuesta de coplas adaptadas al jazz para darle la vuelta a lo clásico y dotar el género con historias impagables en lírica, melodías, poesía y dramaturgia.

Además, como parte de la experiencia, Jazz al Parque 2023 tendrá clases maestras, talleres, conversatorios, charlas y conferencias alrededor de temas como la interpretación musical, las fuentes de ingreso, las regalías y la circulación del jazz en América Latina, entre otros, con la participación de invitados como Mauricio Weintraub de Argentina, Neris González de Cuba y Emilia Cantú, Cristina Vásquez y Gerardo Castillo de México, así como reconocidos expertos del ámbito local como la artista Diana Belmonte, William Patiño de Ditto Music, Camilo Ramírez de ACODEM y Julio Rojas de SAYCO, entre otros. 

Dentro de las actividades a realizar en el marco de Bogotá como Escenario se destaca el pequeños concierto en librería con la participación de Amandi Trío, una banda bogotana que explora el sonido a través del tradicional jazz, el lenguaje contemporáneo, la música afroamericana, latinoamericana y clásica, y la clase maestra Vestir la escena a cargo de Diana Echandía, diseñadora de vestuario escénico, que se realizarán el miércoles 6 de septiembre en El Cuarto Plegable, carrera 18 No. 39B – 69. 

Toda la información y la programación oficial la puede consultar en www.jazzalparque.gov.co.

Siga el cubrimiento especial a través del dial 90.4 FM, las redes sociales: Facebook LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Twitter @LaudEstereo, y la página web laud.udistrital.edu.co.

En el programa ‘Amantes del Círculo Polar’, hablamos con Rakel sobre su proceso creativo de la canción, compuesta a cuatro manos y dos corazones. En ‘Adiós a la Máquina’ es evidente la dualidad de una ruptura, pero a la vez la complicidad y amistad de Rakel y Federico, quienes llevan años conociéndose.

Esta es una canción destinada a cerrar una relación. No llega a ser completamente un tema de despecho o de amor triste; mantiene todas las posibilidades abiertas. El hecho de que esté imbuida con un matiz tan latino crea la dualidad que a veces  acompaña a una ruptura. Expresa el dolor de dejar ir, pero también el entusiasmo por lo que puede surgir después. El sencillo muestra un ciclo en el que cada final marca un nuevo comienzo.

"Con Fede nos debíamos una colaboración no solo en términos de composición, sino también de interpretación", afirmó la cantante, quien lleva cuatro años residiendo en México.

Grabada entre Medellín y Ciudad de México, y producida por Diego Gómez, Rakel y Federico Gómez colaboraron previamente en la composición de la canción ‘Largo Invierno’ en 2014, en compañía del cubano Elsten Torres (nominado dos veces al Latin Grammy). AEl trabajo fue grabado por la talentosa artista junto al legendario Nito Mestre para su segundo álbum de estudio, ‘Literatura para Gatos’. No obstante, casi ocho años después, es la primera vez que se encuentran y unen sus voces para narrar esta historia con la que cualquiera se identificaría.

El sencillo cuenta con un video grabado en Medellín, en el cual participó un grupo de nuevos artistas visuales en la dirección, fotografía y concepción. Bajo la dirección de Mariana Guerra y la dirección de fotografía a cargo de Juan Pablo Pérez.

“Realmente yo no sé a qué se debió el éxito de esa canción”, comentó Héctor Buitrago sobre el gran recibimiento que tuvo el sencillo en los 90. “Creo que era precisamente lo contundente, lo rápido, el juego de palabras, el espíritu punk que tenía y todo eso conjugado en ese momento del rock. Los oyentes estaban esperando algo así”.

‘Mujer Gala’ volvió a aparecer años después como Bonus Track en el disco ‘El Dorado’, uno de los más representativos de Aterciopelados. Ahora la agrupación publica la versión en vivo de la canción grabada en Bogotá en abril pasado, a dúo con Rubén Albarrán, de Café Tacvba.

 “A esa canción le debemos nuestro primer número uno en la radio nacional, nuestro primer contrato discográfico, ganarle a ‘El Amor Después del Amor’ de Fito (Páez) en un duelo radial, y ahora, 28 años después, le debemos recuperar nuestra esencia punk junto al rey tacubo. Que vivan las ánimas solas, las brujas malas y las disipadas”, aseguran Andrea Echeverri y Héctor Buitrago en un comunicado de prensa.

El lanzamiento del nuevo sencillo incluye el estreno de un videoclip que estuvo a cargo de la productora colombiana Velouria Media, bajo la dirección de Liliana Andrade y Simón Hernández, y fue masterizado y mezclado por los galardonados ingenieros José Blanco y Jorge Corredor.

‘El Dorado’ continúa siendo uno de los álbumes más representativos del rock colombiano, especialmente de la ola de los 90. Como celebración de los 28 años de su lanzamiento, el dúo ha visitado diferentes países del mundo con una gira que inició con un concierto único en Bogotá. Rubén Albarrán fue uno de los invitados especiales del show, en donde acompañó a Andrea Echeverri en ‘Mujer Gala’, ‘La estaca’ y ‘Maligno’ junto a la banda.

Colombia es un territorio privilegiado por su pluriculturalidad, a lo largo del país se reconocen más de 1000 géneros musicales que retratan las realidades de cada comunidad. Estas piezas sonoras han construido una identidad que lleva consigo la preservación de la historia. Bajo esa premisa, el maestro decidió rendir un tributo musical a las raíces de toda la nación con ‘La tierra que me vio nacer’. 

Hoy por hoy el maestro Escolar, ha forjado una destacada carrera en el ámbito académico y escénico. Su formación sobresale por la variedad de clases magistrales que ha recibido de renombrados maestros, entre los que se incluyen el tenor colombiano David G|uzmán, la soprano brasileña Angélica de la Riva, el tenor español Ricardo Muñiz, el director y coach vocal colombiano Alejandro Roca, la soprano estadounidense Lisette Oropeza y la soprano española Marta Mathéu.

En el ámbito nacional, ha dejado una huella imborrable al presentarse de manera destacada en diversas ciudades, como Barranquilla, Santa Marta, Cartagena, Sincelejo, Valledupar, Bucaramanga, Medellín, Manizales y Bogotá, entre otras. Además, ha llevado su talento más allá de las fronteras colombianas, con actuaciones en Estados Unidos, Canadá, México y Aruba.

Camilo Moya es un artista maduro e inquieto. No deja de producir música con su banda Bahng, ni de tocar con su set de DJ, y por supuesto, con su proyecto en solitario Moya & los Rompehielos. En ‘Amantes del Círculo Polar’, invitamos a este genio musical para hablar de su nueva canción ‘Águila Paramera’.

El tema deja a un lado su ibero-funk para acercarse a los sonidos andinos contemporáneos y explorar la grandeza de la naturaleza. Se trata de una composición que habla sobre esta ave rapaz, el águila mora, pechinegra o de páramo, conocida popularmente como el águila paramera en el departamento de Santander, donde Camilo vive actualmente y que es fuente de inspiración.

"La letra nos lleva a volar sobre valles y estepas, como un tributo a un ave emblemática que atraviesa la cordillera de los Andes y nuestros paisajes santandereanos y guanentinos", explica Moya.

Este sonido lleno de folclore no nos sorprende del todo, ya que venía de presentar 'A Cartago Llegué', una canción de bullerengue soul en el que marca la gran influencia que ejerce el territorio sobre sus composiciones.

En el pasado, ya le había cantado al Mar Pacífico en su paso por Costa Rica con temas como 'Tormenta de Oriente' o 'La Mar', a Nueva York con 'Bedford Avenue' y a Lisboa con 'Nueva Normalidad', cuando el confinamiento de la pandemia lo atrapó en Portugal.

Así, 'Águila Paramera' cuenta con destacados intérpretes colombianos como Pedro Ojeda, reconocido percusionista de agrupaciones como Los Pirañas o Frente Cumbiero, y el maestro de la quena y el charango Omar Florez, ganador del premio Mono Nuñez.

La canción está acompañada de un video que muestra imponentes imágenes de Santander, con vistas panorámicas y recorridos entre las montañas, acompañados de las coreografías de un grupo de bailarines de la región, que rinden homenaje al águila al ritmo de músicas colombianas.